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KiSS – Kinetics in Sound & Space

The graduate school KiSS in cooperation of HAW Hamburg and HfMT Hamburg operates within the framework of artistic and scientific research and focuses on the dynamics of spatial sounds and sound spaces. Centre of the project is the exploration of the dispositives of the (digital) stage: this encompasses the spectrum of purely physical movement sequences, as known from dance and theatre, to virtual spatial sound movements made possible by sophisticated computer simulations. These extremes are mediated, for example, by motion capture technologies that translate real movements into data flows. This enables hybrid forms of stage art that allow for an innovative and immersive experience on the stage of the 21st century.

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Follow the latest developments on the overall project and the individual research projects of KiSS here.

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Forschende

KiSS – Wissenschaftler:innen:
Projektleitung HfMT Hamburg: Prof. Dr. Georg Hajdu // Projektleitung HAW Hamburg: Prof. Thomas Görne // Prof. Dr. Jacob Sello // Prof. Dr. Nina Noeske // Prof. Sabina Dhein // Prof. Dr. Julius Heinicke // Dr. Rama Gottfried

Alessandro Anatrini - Signal to space: Live acoustic transfigurations

Abstract – EN

Signal to space: Live acoustic transfigurations

This research takes a systemic perspective on the organisation of synthetic sounds in generative systems trying to predict emergent behaviours and suggesting a real-time composition paradigm based on the acoustic characteristics of the surrounding environment and their spatial correlation. In particular I am concerned with developing a machine-learning framework capable of coupling perceptual measurements’ data with synthesis’s paramters. This system is thus highly interactive in the sense that the actions taking place in the environment directly affects the sonic outcome.

On the other hand it becomes critical to implement a proper notation strategy in order to keep track of the applied processes over time, so that “succesfull” signal’s chains configurations can be identified and further used. The implications of using real-time data to shape site-specific processes in the artistic practice are evaluated from an aesthetic perspective to sketch an interpretation paradigm based on the non reproducibility of the artwork.

 

Abstract – DE

Signal to space: Live acoustic transfigurations

Diese Forschung nimmt eine systemische Perspektive auf die Organisation von synthetischen Klängen in generativen Systemen ein und versucht, aufkommende Verhaltensweisen vorherzusagen und ein Echtzeit-Kompositionsparadigma vorzuschlagen, das auf den akustischen Eigenschaften der Umgebung und ihrer räumlichen Korrelation basiert. Insbesondere geht es mir um die Entwicklung eines maschinellen Lernframeworks, das in der Lage ist, Daten aus Wahrnehmungsmessungen mit Syntheseparametern zu koppeln. Dieses System ist also in dem Sinne hochgradig interaktiv, dass sich die in der Umgebung stattfindenden Aktionen direkt auf das klangliche Ergebnis auswirken.

Auf der anderen Seite wird es kritisch, eine geeignete Notationsstrategie zu implementieren, um die angewandten Prozesse über die Zeit zu verfolgen, so dass die Konfigurationen der “erfolgreichen” Signalketten identifiziert und weiter verwendet werden können.

 Die Auswirkungen der Verwendung von Echtzeitdaten zur Gestaltung ortsspezifischer Prozesse in der künstlerischen Praxis werden aus einer ästhetischen Perspektive bewertet, um ein Interpretationsparadigma zu skizzieren, das auf der Nicht- Reproduzierbarkeit des Kunstwerks basiert.

Gutachter:innen: Prof. Dr. Georg Hajdu, Prof. Dr. Jacob Sello

Dr. Gregory Beller - Natural Interfaces for Computer Music A new expressive language for sound creation

Abstract – EN

Natural Interfaces for Computer Music
A new expressive language for sound creation

Computer music has spawned several revolutions in the world of instrumental music. It has fostered the technical evolution of acoustic instrument manufacturing, some of which has become hybrid, incorporating electronic components, and has enabled the development of a wide variety of custom instruments, often connecting several electronic devices.

These new tangible, sensitive and / or virtual interfaces, more and more intelligent, sometimes developed in partnership with a performer, open each new creative space. Most are manageable, some offer an evolution of their playability and a few lead to virtuosity.

In recent years, machine learning has made it possible to adapt the playability of some of these instruments, as and when they are learned. The maker becomes the performer and vice versa.

The aim of this thesis is to apply this learning paradigm to the making of new instruments involving movement, space and sound in the spatially located musical generation. In the framework of creations, with the help of several performers, the author develops an artificial intelligence accompanying them in the natural creation of musical environment.

 

Abstract – DE

Natural Interfaces for Computer Music
A new expressive language for sound creation

Computermusik hat in der Welt der Instrumentalmusik mehrere Revolutionen ausgelöst. Es hat die technische Entwicklung der Abrechnung von akustischen Instrumenten vorangetrieben, von denen einige hybride geworden sind und elektronische Komponenten enthalten, und es hat die Entwicklung einer Vielzahl von kundenspezifischen Instrumenten ermöglicht, die häufig mehrere elektronische Geräte miteinander verbinden.

Diese neuen fühlbaren, sensiblen und / oder virtuellen Schnittstellen, die immer intelligenter werden und manchmal in Zusammenarbeit mit einem Performer entwickelt werden, eröffnen jeden neuen kreativen Raum. Die meisten sind überschaubar, einige bieten eine Weiterentwicklung ihrer Spielbarkeit und einige führen zu Virtuosität.

In den letzten Jahren war es durch das Maschinelles Lernen möglich, die Spielbarkeit einiger dieser Instrumente anzupassen, sobald sie gelernt wurden. Der Faktor wird dann zum Performer und umgekehrt.

Diese Arbeit zielt darauf ab, dieses Lernparadigma auf die Abrechnung neuer Instrumente anzuwenden, die Bewegung, Raum und Klang in der räumlich lokalisierten Musikgeneration beinhalten. Im Kontext von Kreationen entwickelt der Autor mit Hilfe mehrerer Performer eine künstliche Intelligenz, die sie bei der natürlichen Schaffung musikalischer Umgebungen begleitet.

Kristin Kuldkepp - Gesture driven spatial sound: researching free improvisation

Abstract – EN

Gesture driven spatial sound: researching free improvisation

The subject of the research is timbre based free improvisation in gesture driven auditory scenes. Its goal is to explore spatial sound as a performance space for free improvisation.

Free improvisation is an activity that relies on almost no theory. Instead, it seems to initiate discussions between performers who can make music together ideally but are not able to agree on the concepts. Derek Bailey has discussed in Improvisation: its Nature and Practice in Music (1993) that the most precise indication lays perhaps in its resistance to any labelling. As it is a peculiar practice without any borders but with several perspectives, its multipolar attitude and characteristics are inevitable parts of every discourse. Ostensibly it would be more efficient to think of that as a collection of individual acts rather than a contextualised genre achieved through generalisation or reduction. Marcel Cobussen has communicated in The Field of Musical Improvisation (2017) that it is impossible to fix improvisation with a singular demarcation while being a seemingly homogeneous but simultaneously very diverse and all-encompassing activity. This assemblage of singular events is influenced by the personal musical background, the cultural context of the performer and the very playing style. That, however, would perhaps bring the focus on the individuality of every concert even more, as the playing style does not require a specific predetermination, but is favouring the multiplicity. In that light, free improvisation perceived only as an activity rather than a genre seems appropriate and is the starting point for this research.

The research focusses on John Dewey’s (1934) notions ‘an experience’ and ‘expressive object’ within specific concert situations. As the purpose is not to seek a strict definition for that music form, but to expand the understanding of how performers relate to this and how the body performance unwinds through time, John Dewey’s concepts offer a fruitful possibilities to organise that somewhat theoretically. The spacial scene will be built by the musicians’ gesture curves, which are analysed at real time during the concert. The musical gesture here, is understood as physical movement with some kind of significance that necessarily needs a body to be executed. Next to analytical data, the interviews with the musicians will be conducted to add an intersubjective perspective.

The expected results could show a various possibilities of how body performs in free improvisation as well as how to meaningfully integrate spatialised audio to performance. As free improvisation does not produce a strictly taken result, such as score, but exists only in the moment of playing, the research’s artistic work will be documented on a film. To provide an insight to the artistic production, the audiovisual media will at least hint on the actual performer’s work.

Jacob Richter - The aesthetic perception and design of music and sound design in virtual space

Abstract – DE  

Die ästhetische Wahrnehmung und Gestaltung von Musik und Sounddesign im  virtuellen Raum  

Welche Besonderheiten ergeben sich gegenüber den herkömmlichen audiovisuellen  Medien durch den Einsatz der Technik von Virtual Reality und Augmented Reality in  Bezug auf die ästhetische Wahrnehmung von Musik und Sounddesign? Wie lässt  sich daraus ein musikwissenschaftliches Gebiet mit eigenständigen Prinzipien und  Gestaltungsmöglichkeiten beschreiben? 

Die sich entwickelnden Schnittstellen zwischen Digitaltechnik und Musik können noch  nie dagewesene Möglichkeiten schaffen. Historische Aufnahmen können durch die  Erweiterung der Virtual Reality und der Entwicklungen im 3D-Sound ihrem  auratischen Moment wieder nähergebracht werden und so Interessierten eine  authentischere ästhetische Erfahrung gewährleisten. Somit bieten die digitalen und  virtuellen Räume Chancen, die Musik nicht nur für zukünftige Generationen zu  erhalten, sondern darüber hinaus auch einen immersiven Erstkontakt zu  ermöglichen. Der Zugang zu Musik wird durch die technischen Mittel demokratisiert  und mögliche Hemmschwellen ihr gegenüber abgebaut. Insbesondere die  Entwicklungen im Bereich der Virtual Reality und die damit verbundene  Virtualisierung des „Hörraums“ schaffen neue Möglichkeiten der Interaktion:  Kombinationen zwischen Musik und außermusikalischen Kontexten, wie der  visuellen Ebene und der auditiven Repräsentation des Raumes mittels 3D-Sound,  bringen dem Rezipienten nicht nur die ästhetische Erfahrung eines realen Konzerts  näher, sondern auch völlig neue Konzertformate und innovative, musikalische  Darstellungsweisen. Durch das vielfältige Angebot an Daten, Speicher- und  Wiedergabemedien ist es dem Rezipienten darüber hinaus möglich, einen  bewussten, kreativen Umgang mit Musik und einen bisher noch nicht dagewesenen  Blick auf die individuelle ästhetische Wahrnehmung zu entwickeln. 

Eng gefasste Definitionen von Begriffen wie Ästhetik, Wahrnehmung oder Raum  werden den heutigen Standpunkten innerhalb der einzelnen  Wissenschaftsdisziplinen nicht mehr gerecht, da die ästhetische Individualität weit  über diese hinausführt. Die Digitalisierung und Virtualisierung mit all den komplexen  Themenfeldern verlangen insbesondere unter einem musikwissenschaftlichen  Blickwinkel eine interdisziplinäre Herangehensweise und neue Prinzipien, um dem  fortschreitenden Wandel gerecht zu werden.

 

Abstract – EN 

The aesthetic perception and design of music and sound design in virtual space  

What are the special features of the use of Virtual Reality and Augmented Reality technology compared to conventional audiovisual media with regard to the aesthetic perception of music and sound design? How can a musicological field with independent principles and design possibilities be described? 

The developing interfaces between digital technology and music can create unprecedented possibilities. Historical recordings can be brought closer to their auratic moment through the expansion of virtual reality and the developments in 3D sound, thus ensuring a more authentic aesthetic experience for those interested. Thus, digital and virtual spaces offer opportunities not only to preserve the music for future generations, but also to enable immersive first contact. Access to music is democratized by technical means and possible inhibitions against it are reduced. In particular, developments in the field of virtual reality and the associated virtualisation of the “listening room” are creating new possibilities for interaction: combinations between music and non-musical contexts, such as the visual level and the auditory representation of space by means of 3D sound, not only bring the recipient closer to the aesthetic experience of a real concert, but also completely new concert formats and innovative, musical forms of presentation. The wide range of data, storage and playback media available also enables the recipient to develop a conscious, creative approach to music and an unprecedented view of individual aesthetic perception. 

Narrow definitions of terms such as aesthetics, perception or space no longer do justice to today’s viewpoints within the individual scientific disciplines, since aesthetic individuality leads far beyond them. Digitalisation and virtualisation with all their complex subject areas require an interdisciplinary approach and new principles, especially from a musicological perspective, in order to do justice to the ongoing change.

Gutachter:innen: Prof. Dr. Nina Noeske, Prof. Dr. Friederike Wißmann (HMT Rostock) 

Elise Schobeß - LA VACHE QUI RIT Dynamics of laughter: the comic character as a performative motif in the processes of desacralisation of work-text and performance

Abstract – EN

LA VACHE QUI RIT

Dynamics of laughter: the comic character as a performative motif in the processes of desacralisation of work-text and performance

Post-dramatic music theatre, like its colleague from so called spoken or ‘straight’ theatre, operates with a “de-hierarchisation of all theatre means”. The term “de-hierarchisation” is not only difficult to pronounce, but also tricky to realise – since hierarchies are often charged with the sacred nimbus of immutability. Thus, for example, the relationship between work-text and performance, concept and production is still subject to a historically rooted need for discussion. 

The aim of this research is to lead the success of post-dramatic de-hierarchisation to a structural level and to examine it from a new perspective, both scientifically and artistically. To this end, the concept of the performative motif is introduced. 

Liberty, Equality, Mobility

Against the background of social science research – in particular the diagnosed crisis of democracy in the Global North, which culminates in the vague concept of post-democracy – the performative motif is derived as an instrument to avoid the consolidation of hierarchies. Instead, the contingency of human life is moved to the centre: it not only establishes a potential equality for all but also the political necessity of permanent changeability. The idea of such mobility is now to be translated into music theatre projects that I have conceived and accompanied as dramaturge. In addition to the aesthetic terrain of concept and performance situation, this also concerns the working processes of a production as well as music theatre as an institution with all the political implications that can be inferred from it. 

The Anarchy of Laughter

In the terrain of the performative motif, humour and laughter have also appropriated a discursive property. Interestingly, however, their neighbour – post-dramatic theatre – has so far shown little interest in them, even though they share common ground through obvious de-hierarchising commonalities. Here the historical theatre form of the improvisational ‘comic character’ (‚Hanswurst‘, harlequin, buffoon etc.) of the Renaissance provides an interesting reference point: in terms of its non-literacy and its quasi-multimedia approach to music, space and body, it is obviously comparable to post-dramatic theatre. However, the lusty, anarchic laughter that characterised the theatre of the comic character, which spread beyond Europe 400 years ago, seems to have been swallowed up by the ether of the tragic in post-dramatic theatre. 

To what extent can the strategies of the comic character be regarded as a performative motif that promotes de-hierarchisation? 

This question serves as a starting point for the artistic-practical investigation of post-dramatic music theatre: an installative experimental arrangement that uses various scenic-musical experiments to try to question sacred orders on the basis of the performative motif, using analogous as well as multimedia sources. 

 

Abstract – DE

LA VACHE QUI RIT

Dynamiken des Lachens: die Komische Figur als performatives Motiv in den Entsakralisierungsprozessen von Werk und Aufführung

Das postdramatische Musiktheater operiert wie sein Namenskollege aus dem Schauspiel mit einer „Enthierarchisierung aller Theatermittel“. Dabei ist der Begriff der Enthierarchisierung nicht nur schwer auszusprechen, sondern gleichsam verzwickt in der Umsetzung: werden doch Hierarchien nicht selten mit dem sakralen Nimbus der Unveränderlichkeit aufgeladen. So zeigt sich beispielsweise das Verhältnis zwischen Werk und Aufführung, Konzept und Umsetzung bis heute mit historisch verwurzeltem Diskussionsbedarf behaftet. 

Diese Forschung setzt sich zum Ziel, den Erfolgszug postdramatischer Enthierarchisierung auf eine strukturelle Ebene zu leiten und aus einer neuen Perspektive wissenschaftlich sowie künstlerisch zu untersuchen. Dazu wird das Konzept des performativen Motivs eingeführt. 

Freiheit, Gleichheit, Beweglichkeit

Vor dem Hintergrund gesellschaftswissenschaftlicher Forschung – insbesondere der diagnostizierten Krise der Demokratie im globalen Norden, die im vagen Begriff der Postdemokratie mündet –, wird das performative Motiv als ein Instrument hergeleitet, um eine Verfestigung von Hierarchien zu vermeiden. Stattdessen rückt die Kontingenz menschlichen Lebens ins Zentrum: Sie begründet nicht nur eine potenzielle Gleichheit aller, sondern auch die politische Notwendigkeit einer permanenten Wandelbarkeit. Die Idee einer solchen Beweglichkeit soll nun in von mir konzipierten und als Dramaturgin begleiteten Musiktheaterprojekten übersetzt werden. Neben dem ästhetischen Terrain von Konzept und Aufführungssituation betrifft dies ebenso die Arbeitsprozesse einer Inszenierung sowie das Musiktheater als Institution mit allen daraus zu folgernden politischen Implikationen. 

Die Anarchie des Lachens

Im Einzugsbereich des performativen Motivs haben sich auch die Komik und das Lachen ein diskursives Grundstück angeeignet. Interessanterweise zeigt ihr Nachbar, das postdramatische Theater, jedoch bislang wenig Interesse an ihnen, obwohl sie sich durch offensichtliche, enthierarchisierende Gemeinsamkeiten ausweisen können. Hier liefert die historische Theaterform der improvisationsfreudigen Komischen Figur (Harlekin, Hanswurst usw.) der Renaissance eine interessante Folie: Was seine Nicht-Literarität sowie seinen quasi-multimedialen Umgang mit Musik, Raum und Körper angeht, ist es offenbar mit dem postdramatischen Theater vergleichbar. Allerdings scheint das lustvolle, anarchische Lachen, welches vor 400 Jahren das über Europa hinaus verbreitete Theater der Komischen Figur auszeichnete, im postdramatischen Theater vom Äther des Tragischen verschluckt worden zu sein. 

Inwiefern können die Strategien der Komischen Figur als ein performatives Motiv gelten, die eine Enthierarchisierung begünstigen? 

Diese Frage dient als Ausgangspunkt für die künstlerisch-praktische Erforschung  postdramatischen Musiktheaters: eine installative Versuchsanordnung, die anhand verschiedener szenisch-musikalischer Experimente eine Infragestellung heiliger Ordnungen auf der Grundlage des performativen Motivs probiert und sich dabei aus analogen gleichsam wie multimedialen Quellen bedient. 

 

Gutachter:innen: Prof. Dr. Julius Heinicke, Prof. Sabina Dhein

Stefan Troschka - Missing Abstract

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KiSS is a cooperative project of HAW Hamburg and HfMT Hamburg. The project is funded by by the Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Hansestadt Hamburg.
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